El centro comercial neos moda; “el de las pantallas gigantes” del centro de Bogotá, ubicado en la av. Jimenez con cra. 10ma, acaba de abrir una convocatoria para que varios artistas hagan parte de la galería digital abierta al público; más grande de Latinoamérica, en donde más de 35.000 espectadores diarios, podrán apreciar el arte de los artistas elegidos, que se transformarán en cuadros gigantes; haciendo de sus pantallas una galería para todos, así como su filosofía: “moda para todos”.

Convocatoria

Del 14 al 23 de agosto, envíanos una propuesta - boceto inspirado en cualquiera de estas temáticas: origen y orgullo colombiano, moda para todos y arte urbano, además de los links de tus redes sociales al correo: Neosmodarte@gmail.com.

3 artistas serán elegidos con sus propuestas, para intervenir los muros del Centro Comercial Neos Moda y/o proyectarlos en sus pantallas gigantes, ubicadas en la Av. Jiménez con cra. 10ma, esquina, durante agosto y septiembre. Estas pantallas tienen más de 35.000 espectadores diarios.
Los artistas elegidos, recibirán todos los materiales que necesiten para intervenir los muros, además de bonos de regalo para redimir en el Centro Comercial Neos Moda, patrocinios y expondrán sus murales en las pantallas más grandes de Latinoamérica.

EL PROFE Y CÓMO PRESERVAR LA MÚSICA

Son un poco más de las 7 de la mañana, y el día se presenta con un cielo azul despejado.  Una mujer trapea el piso, que está mojado por la lluvia que cayó durante toda la noche, con una cadencia pareja.

Estamos en el Boho Food Market, nuestro gran espacio anfitrión que por segunda vez recibe a la comunidad CreativeMornings/Bogotá. Al rato van llegando más miembros del equipo organizador y algunos asistentes a la charla.

Un hombre con barba, que lleva puesta una gorra negra y las manos dentro de los bolsillos, se sienta en una de las mesas del lugar.  Lo miro por un rato hasta caer  en cuenta de que es Álvaro Gonzáles, nuestro speaker, mejor conocido como El Profe.

Gonzáles estudió comunicación social y es músico. Ingresó al mundo de la radio atraído por sus dos grandes pasiones, la música y la literatura, y ha trabajado en diferentes emisoras y programas radiales. En 2005 formó parte del equipo de personas que diseño todo el concepto  Radiónica.

Le pregunto que con qué palabra asocia el término preservar y contesta: “Cuidar”. Desde el 2016 tiene una fijación con el grupo Love of Lesbian; no puede vivir si su familia, sin  Radiónica, y le gusta mucho comer hamburguesa.  Un libro que recomienda es El Museo de la Inocencia de Orham Panuk, y también  escuchar a la  agrupación Islandesa Sigur Ros.

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El equipo de Time Machine Pictures se acerca para ponerle el micrófono y  pocos minutos después  Gonzáles sube a la tarima. “No sé si sentarme o quedarme de pie, no me puedo mantener quieto”, nos dice, como preludio a su charla.  Una de las primeras ideas que menciona con relación a Preservar, el tema va a tratar desde su mirada creativa, es: “Soy una persona de presente, no de melancolía ni nostalgias”. 

 El Profe  cree que su vida ha estado marcada por tres momentos importantes:

Los  noventa

Su carrera empezó en esa época en 88.9, la súper estación, donde tuvo la fortuna de ser el pupilo de Andrés Durán,  el director del Expreso del Rock, además de dirigir el programa: La Clase en Español.

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Gonzáles cree que la década de los noventa  fue muy importante, por una mezcla de eventos y circunstancias: Una nueva constitución, la séptima papeleta, y un tiempo en el que el concepto de ser joven cambió , pues ese grupo de personas comienzó a ser una parte activa de la ciudadanía.

Nos dice que fue un periodo en el que el rock en español comienza a tener un declive, y que quienes escuchaban música en español eran humildes.

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En 1995 aparece Rock al Parque y gracias a la emisora 99.1 comienzan a circular otros tipos de música, un periodo en el que en el que se comienza a contar la historia de Colombia por medio de los géneros.  Al siguiente año el festival cuenta con un cierre que congregó a 60.000 personas, aunque Gonzáles cree que en esa ocasión se perdió la oportunidad de generar un mercado.

Muchas de las bandas que aparecieron no lograron trascender por falta de solidaridad: mi banda es mejor que la tuya, , mi guitarrista es mejor.  “Fuimos muy colombianos a la hora de atacarnos entre nosotros mismos”, concluye.

El Profe como  músico

Gonzáles fue el guitarrista líder de la agrupación Aldea, banda con la que lanzó al mercado el trabajo Ángeles y Sombras; todo un desastre económico, según él, desde el punto de vista del emprendimiento, porque invirtieron en dólares cuándo esa moneda alcanzó por primera vez los $2000 pesos , y también un periodo en el que una gran cantidad de jóvenes colombianos emigraron del país.

Hoy en día cree que sigue siendo más músico que comunicador, pero piensa que la segunda profesión se tragó a la primera.

Radiónica

Gonzáles cree que la primera década del siglo XXI fue difícil para la música colombiana, y que él tuvo la gran fortuna de que la vida le hubiera dado la oportunidad de inventarse una emisora de música.  

Radiónica nace en Octubre de 2005, y en ese entonces El Profe y su equipo se dan cuenta de que a 99.1 le hacía falta sonreír y burlarse de sí misma. Aparecen una serie de señales que indican que el proyecto se debe salir de sus zonas de confort. Al tiempo que aparece Facebook  y se inserta en la vida diaria de la mayoría de las personas.

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Luego de eso, parece que el destino comenzó a mover y encajar sus piezas: un día, por ejemplo, llegó un joven a una entrevista y preguntó que si podía poner su cd como música de fondo. Cuando esta terminó, Gonzáles le pregunto si lo que había puesto era su música, al tiempo que por el  nombre de la canción: “San Antonio”, le respondió el joven. “ ¡Y su grupo cómo se llama? “Chocquib Town”.  Fue un momento en el que el folclor comenzó a involucrarse y aparecieron grupos como La Mojarra Eléctrica y Side Stepper. Esto ayuda a que la mitad de la programación de la emisora sea de música colombiana.

Nos cuenta que en 2009 aparece una movida hípster, conocen una banda  y deciden poner su música, su nombre: Monsieur Periné.  Un día después llega un rapero,  ¿quién? los Petit Fellas,luego Diamante eléctrico, y así van apareciendo otras agrupaciones. En  ese punto El Profe y su equipo se dan cuenta de que Radiónica tiene que ofrecer un servicio a la música colombiana, con el fin de darle al país una oportunidad de tener más memoria y a los jóvenes una oportunidad de crear proyectos. 

Para cerrar Gonzáles responde a la pregunta:  ¿Cómo puede sobrevivir la radio en el siglo XXI? Él cree que una de las ventajas que tiene,  es la oportunidad que nos brinda para contar historias, uno de los últimos bastiones de la imaginación.  

Llevar la música en el corazón es la mejor manera de preservarla, y  si desde ese lugar no hay una conexión con una historia, las canciones van a ir desapareciendo

- Álvaro Gonzáles -

CreativeMornings/Bogotá le quiere dar las gracias a todas las personas y e instituciones que hicieron posible este evento:  Al BAM (Bogotá Audiovisual Market) por apostarle a las mañanas creativas y patrocinar el evento; a Boho Food Market por permitirnos hacer uso de sus instalaciones y brindarnos un delicioso desayuno; A Paleta Digital y Time Machine Pictures, por todo el material impreso, y la producción audiovisual del evento; a María Delgado por el registro fotográfico, y como siempre a toda nuestra comunidad creativa, una pieza fundamental para la realización de cada charla.

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Los esperamos a finales de este mes para hablar sobre Wonder, tema escogido por el capitulo de Copenhagen

Escrito por Juan Manuel Rodríguez bocanegra: jma.rodriguez@gmail.com

MODA INCLUSIVA

Nos encontramos en la entrada del Museo Nacional, nuestro gran espacio anfitrión que por primera vez recibe a la comunidad CreativeMornings/Bogotá. Es una mañana despejada, con un cielo azul claro y pocas nubes; hace frío, y un sol tímido comienza a aparecer.  

Poco a poco comienzan a llegar los asistentes de la charla que nos va a dar Mónica Holguín sobre inclusión, el tema seleccionado a nivel mundial para Creative Mornings, y un término que ella relaciona con la palabra igualdad. Holguín es diseñadora textil y el cerebro creativo a cargo de la marca Pepa Pombo. Le fascina el chocolate y las quesadillas verdes.  Uno de sus lugares preferidos es el DF, por sus mercados de artesanías y la amplia oferta de textiles bordados, y un libro que recomienda es: La casa historia de una idea de W. Rybczynski, que tiene que ver con la historia de los espacios en cuanto al diseño.

Me acerco a los asistentes que ya hacen fila, y les pregunto que escribieron en el Nametag, que dice: “nunca pasará de moda…”. Las respuestas que me encuentro son variadas: Luchar por nuestros sueños, saludar, el color negro, sonreír, la cultura, los buenos modales, entre otras.

Luego del registro, nos dirigimos hacia el tercer piso del museo, el espacio destinado para la charla, una sala con las paredes llenas de cuadros como espectadores silenciosos del evento.  Cuando el lugar está lleno Holguín toma el micrófono, y lo primero que dice es: “Me siento súper emocionada de estar en este lugar, en este espacio tan especial; uno de mis lugares favoritos”.  Su voz se quiebra un poco, toma aire y concluye: “Soy súper emocional, así que si lloro ténganme paciencia”, y cierra su introducción con un fuerte suspiro.

Luego nos cuenta la importancia que tuvo México en su vida, lugar en el que creció, y de cómo la tenacidad y perseverancia de su mamá la marco de por vida.  Holguín la define como una guerrera.

Su presentación se basa en fotos de diseños de Pepa Pombo de diferentes épocas, mientras relata cómo desde pequeña siempre estuvo metida en el taller de su madre.  “Crecí ahí, sin saber que lo iba a heredar y ser la interprete de su ADN y esencia creativa”, dice.  También nos cuenta que su hermano era el encargado del registro audiovisual de los desfiles, pero en los videos que hacía solo se veían las piernas de las modelos.

Nos dice que los tres eran inseparables y andaban de arriba para abajo todo el día.  Holguín recuerda con cariño una imagen, a sus 6 años, de un vestido súper flash-dance, que la cautivó porque le fascina bailar, y que era la pieza de relleno de esa colección, pero que resultó ser todo un éxito. Ese vestido la marcó y nos cuenta que siempre quiso hacer algo así, versátil. Desde el año 2000 en el que ingresó a trabajar en Pepa Pombo, siempre ha pensado en cómo llevar el ADN de la marca más allá y proponer cosas diferentes.

Uno de los grandes interrogantes que se ha planteado es: “¿cómo optimizar las prendas para utilizarlas varias veces de diferentes maneras? La respuesta la encontró en la multifuncionalidad. Son precisamente esas prendas multifuncionales, a las que les apuesta la marca, las que reflejan la inclusión, pues Holguín asegura que el material, el mismo tejido, es lo más incluyente del mundo, porque da la opción de ofrecer un portafolio para todo tipo de mujeres.

Hace un tiempo planteó una colección no bordada, y su mamá le preguntó: ¿pero cómo?, ¿y las cintas?. “Hagámosle”, le respondió Mónica. La idea funcionó y la gente comenzó a querer ver esas formas multifuncionales. 

De esa manera es que Holguín ha logrado, según sus propias palabras, “incluir el Mónica en el Pepa”, un proceso largo, continuo y de mucha perseverancia.

Somos un buen equipo. Siempre recargamos esa palabra.

Sin equipo, sin incluir a las personas, es difícil ir hacia adelante”

–  Mónica Holguín –

Creative Mornings le quiere dar las gracias a todas las personas y entidades que hicieron posible esta charla: Al Museo Nacional y a la Fundación Amigos del Museo Nacional, por permitirnos hacer uso de uno de los espacios más propicios para hablar acerca de creatividad; a Brot por brindarnos un delicioso desayuno; a Time Machine Pictures por la impecable producción audiovisual; a Paleta Digital por todo el material impreso: nametags y escarapelas, y como siempre a toda nuestra comunidad creativa por su fiel asistencia a los eventos.  Los esperamos el próximo xx de Mayo para hablar acerca de Preservación el tema seleccionado por el capítulo de Charleston, Estados Unidos.

Escrito por Juan Manuel Rodríguez bocanegra: jma.rodriguez@gmail.com

SOMOS AGUA, SOMOS PÁRAMO   

Nos alistamos para recibir una vez más a la comunidad CreativeMornings/Bogotá en LCI, nuestro espacio aliado de esta ocasión. Mientras preparamos los últimos detalles llega Felipe Mejía, nuestro speaker.

Mejía es un emprendedor comprometido con desarrollo de modelos de negocio que buscan dejar una huella positiva en el planeta.  Actualmente es CEO, socio y fundador de Agua Siembra, una empresa que se dedica a la siembra de árboles para la recuperación y protección de los páramos, a través de la movilización de consumidores que entienden el origen y la importancia del agua.

“El agua es vida, es todo”, dice, y luego recalca, “es el 70% de todo”, No puede vivir sin su esposa y Leticia, su hija de año y medio. Dice que le gusta mucho la música, “¿cuál?”, le pregunto, “uff mucha”, responde, y al rato concluye: “down-tempo, jazz, hi-hop”. Le pregunto que cuál libro recomienda, y sin dudarlo responde: “The Misfit Economy”.

Los asistentes a la charla ya están en el auditorio. Mejía sube al escenario, y comienza su presentación diciendo lo siguiente: “Sin agua no hay nada”, y se dispone a contarnos el por qué de su dedicación a este tema.

Nos dice que estudió economía y administración por un tiempo; “Lo odie”, confiesa, hasta que cayó en cuenta de que quería hacer algo diferente. Ingresa a estudiar administración de la música en la universidad de Berkeley, y tiene acercamiento a otras disciplinas que amplían su punto de vista: design Thinking, innovación, entre otras.

Tras completar sus estudios, se convierte en el asistente de la manager de Divagash, banda  con la que les va bien y salen de gira por el país; ahí se enamora por completo de la música.

Comienzan a buscarlos diferentes empresas, cansadas de los servicios tradicionales de agencias, para activaciones de marcas, y junto a otros socios, decide montar una agencia.

En 2012 se acaba, y Mejía comienza a asesorar empresas de forma independiente. Luego de tres años de trabajo empieza a sentir que está haciendo algo importante, y la Cámara de Comercio lo contrata para que brinde asesorías de Marketing a emprendedores.

Su trabajo le gusta, pero siente frustración cuando se da cuenta de que la tasa de mortalidad de los negocios que asesora es superior al 75% durante los primeros tres años de funcionamiento.  

Hasta ese momento, Mejía había trabajado con importantes marcas de licores, pero concluye que esa industria no le devuelve nada al planeta, y le frustraba que lo que enseñaba a los emprendedores no se hacía realidad. Siente una necesidad apremiante de devolverle algo al planeta y se pregunta: “¿Qué carajos estoy haciendo con mi vida?, ¿qué llevo en la maleta?”.

Con muchas ganas de un cambio profundo, comienza a leer acerca de capitalismo creativo.  En ese momento coyuntural de su vida conoce los páramos, y comprende su importancia. Comienza a estudiarlos y le parece increíble que el 75% del agua que consumimos provenga de ellos y que solo ocupan el 2% del territorio, y que un 70% de ellos se encuentra amenazado.

A manera de revelación, nos cuenta que el río más grande del planeta va por el aire, y nos explica el proceso a grandes rasgos: Los árboles expulsan las nubes y estás comienzan a moverse hasta que se estrellan con las Cordillera de los Andes, y los páramos son los encargados de captar esas lluvias horizontales.

Mejía también nos dice que es importante que veamos al agua como un ser vivo, quizás una de las razones por las que crea Siembra, una marca de agua, sin químicos ni preservantes, que busca generar cambios positivos en la sociedad, reinvirtiendo las utilidades en la restauración de los páramos. A 2021 esperan reciclar un 150% de los materiales que utilizan en su proceso productivo.

Hasta el momento Siembra ha realizado proyectos creativos con el MAMBO, el grupo Telebit, Bomba Estéreo y el festival Estéreo Picnic, con el que están comprometidos en la creación del bosque festival Estéreo Picnic, que va a contar con 2000 árboles.

Para cerrar la charla, nos da tres tips que considera importantes:

1. Lo más importante es arrancar.  Nos cuenta que él empezó con un préstamo de sus padres y que hoy en día Crepes&Waffles es socio de Agua Siembra,

2. Creérsela: No solo pensar en hacer cosas para otros, sino empezar hacer cosas para nosotros mismos.

3. Pensar en un propósito más allá del comercial, pues de esa manera, el mundo comienza a conspirar a favor de uno.

“Cada vez que creemos negocios, busquemos que resuelvan

problemas del planeta: Ecológicos, de género, educación, etc.”

—    Felipe Mejía —

CreativeMornings/Bogotá le quiere dar las gracias a todas las personas que hicieron posible esta charla: A nuestros grandes y valiosos aliados, Time Machine Pictures y Paleta Digital por la producción audiovisual y el material impreso; a Ana María Cardona por el registro fotográfico; a LCI por acogernos de nuevo en sus agradables instalaciones, apoyar la creatividad y brindarnos un delicioso desayuno, y como siempre a toda nuestra comunidad por su fiel asistencia a cada evento.

Los esperamos el próximo viernes 26 de Abril para hablar sobre Inclusive, el tema de Creative Mornings a nivel mundial.

Escrito por Juan Manuel Rodríguez bocanegra: jma.rodriguez@gmail.com

SIMETRÍA Y CREATIVIDAD

Nos preparamos para celebrar el sexto cumpleaños de CreativeMornings/Bogotá en Boho Food Market, nuestro gran espacio aliado que por primera vez nos abre las puertas para realizar el evento.

Camino hacia el lugar, y en medio del caos cotidiano de la mañana: tráfico de carros y buses, pitos, aceras congestionadas con personas caminando de afán, imagino que también existe un cierto orden, una simetría en cuanto a cómo interactuamos con relación a los objetos y las personas que nos rodean.

En esta ocasión tres speakers: Valentina Giraldo, Aysha Bilgrami y Juliana Zarate, nos van a hablar de simetría a nivel de sus procesos creativos. Giraldo es la primera en llegar.  “Hablemos, mientras me tomo un café”, me dice cuando me acerco a ella. Es especialista en diseño gráfico, fotografía y dirección de arte, y asocia la simetría con la perfección.  Es amante de la pizza, viajar a lugares con playa y el vino, y un libro que recomienda es Factfulness.  Al rato llega Zarate, politóloga y magister en política internacional, quien define la simetría como: “estar en el mismo plato”; le gustan mucho las lentejas, los desiertos, y un libro que recomienda es A Little life. Por su parte Bilgrami, diseñadora de moda transformada en diseñadora de joyas, cree que la simetría tiene que ver con un balance estético y espiritual.  Le encanta viajar a  Pakistán para visitar a su familia paterna, las papas fritas y compartir tiempo con su esposo. Un libro que le gusta mucho por la forma en que refleja la cultura mexicana es “Azteca”.    

La primera en pasar a la tarima es Valentina Giraldo, que apenas toma el micrófono dice: “Esto siempre me da miedo”, y de inmediato nos comparte el mantra de su empresa, La Valentina Design: “La magia no se destruye, se transforma”.

Giraldo cuenta que comenzó su proyecto hace cuatro años siendo la todera, y que hoy su equipo de trabajo está conformado por 22 personas o animales, según ella, en el que juega el papel de León.  Hace poco inauguraron su estudio fotográfico, la columna vertebral de su trabajo, donde crean todo lo que sueñan: fotos que más allá de ser únicamente publicidad, se conectan con las personas a través de emociones.

Procura, junto a su equipo, una simetría laboral, y por eso no le apuesta a trasnochar y/o seguir derecho para terminar la entrega de algún cliente, pues cree firmemente que muchas veces la creatividad viene de lo que se vive afuera de la oficina: comer con la pareja, ir a cine, salir a tomar algo, etc.

También plantea una serie de preguntas que nos debemos hacer para ir tras la búsqueda de la perfección en el trabajo: “¿Qué hacen ustedes todos los días para que la gente se inspire?, ¿Por qué nos mueve lo que hacemos?”                 

Para cerrar su charla nos invita a dejar de pensar como emprendedores solitarios; hacerlo en colectivo, invitando a los demás:

“Trabajando juntos somos mucho más fuertes”

—Valentina Giraldo—

La siguiente en pasar a la tarima es Aysha Bilgrami. Luego de estudiar diseño de modas en Italia y tras una intensa búsqueda laboral, Bilgrami encontró en el diseño de Joyas la mejor forma para expresarse y plasmar su identidad, a través de la mezcla de las culturas colombiana y Pakistaní.

Según ella, la simetría se encuentra presente en todos lados, y en vez de ser un patrón que se repite, tiene que ver más bien con un balance. En su caso consiste en encontrar puntos de conexión, fuerzas y energías que pueden encontrarse en diferentes culturas, que busca reflejar en los diseños de sus joyas; por eso cada una de sus colecciones está basada en una profunda y extensa investigación de culturas.  

El último turno es para Zárate, una politóloga que ha dedicado la mayor parte de su tiempo a trabajar en cocina o emprendimientos sociales.  Es la cofundadora de Mucho, startup enfocada en la recomendación de ventas y productos para comer de forma responsable, pensando en el medio ambiente y los pequeños productores.  

Uno de los fines de Mucho adicional a crear empresa, es abordar las relaciones sociales a través del sencillo acto de comer, y Zárate cree que en su trabajo se aborda la simetría desde la tensión presente al hacer empresa, pues este es un objetivo que presenta asimetría: generar dinero a costa del medio ambiente y las relaciones entre las personas, con un panorama que presenta consumidores cansados y agricultores con mucha precariedad para realizar sus labores.

Zarate plantea la siguiente pregunta: ¿Qué tal si pensamos que todos estamos en el mismo plato?, y propone buscar la simetría entre tres conceptos: Salud y sabor, inequidad social y conservación. Cree que es importante buscar relaciones más simétricas en el sector empresa, en busca de la reducción de la desigualdad, pues la mayoría de las relaciones están definidas por la escasez: Hay que hacer más plata.

CreativeMornings/Bogotá le quiere dar las gracias a todas las personas que nos han acompañado durante estos 6 años; en especial a nuestra comunidad y a todos los patrocinadores que permiten que el evento sea una realidad cada mes. En esta ocasión le queremos darle un agradecimiento especial  a: Bogo Food Market, por permitirnos el uso de su agradable  espacio y brindarnos un delicioso desayuno; a Time Machine Pictures, por la impecable producción audiovisual; a Paleta Digital, por  todo el material impreso;  a  Juan Felipe Rubio por el registro fotográfico; a Stay Crafty por el concurso y premios que otorgó al final de la charla; a La Folie por la torta de cumpleaños.

Los esperamos el próximo 29 de Marzo para hablar acerca de “Agua”, el tema seleccionado a nivel global para la comunidad Creative Mornings, en nuestro espacio aliado LCI.

Escrito por Juan Manuel Rodríguez Bocanegra: jma.rodriguez@gmail.com

TRAS LA BÚSQUEDA DE LO SURREAL   

Hace sol y frío y son un poco más de las 7 de la mañana. Afuera de CAZ, el espacio anfitrión que por segunda vez recibe a la comunidad CreativeMornings/Bogotá, algunos asistentes comienzan a hacer la fila para la charla del mes a Cargo de Randy Mora.

Mientras tanto el equipo organizador prepara los últimos detalles para recibir a la comunidad creativa.  Al rato en la entrada aparece un hombre con camisa gris y tenis Converse, es nuestro speaker.

Mora es un ilustrador independiente y autodidacta desde el año 2007.  Utiliza la técnica del collage digital para elaborar composiciones en las que disecciona y acopla todo tipo de imágenes para construir nuevas realidades.  Se retiró de la carrera de publicidad a punto de terminarla, y fue ahí cuando conoció la técnica del collage, que le ayudó a lidiar con un episodio difícil de su vida, y le sirvió para escapar de la realidad.  

Hablo con él antes de que se ocupe. Mora Asocia el termino surreal con la palabra irracional; le resultan imprescindibles su celular, unas tijeras y la música, en especial el Blues; le gusta mucho el hígado encebollado, y un libro que recomienda es “Para ver cierra los ojos” de Jan Svankmajer.

Poco después de iniciar su charla, Mora nos cuenta que el surrealismo, de acuerdo con André Breton y su manifiesto surrealista de 1924, no es arte, que no hay tal cosa como pintura surrealista o cine surrealista, sino que más bien es un estilo de vida.  

Parte de su charla es un recorrido por las piezas más representativas de su trabajo, del que se destacan algunas para bebidas alcohólicas, como la de un ron colombiano en la que la marca quería reflejar la abundancia del país. Mora dividió la imagen en diferentes mundos: Colombia, alquimia, baristas, entre otros.  Para un restaurante de Londres que quería presentar sus platos de forma diferente, con ingredientes como la anguila, poco amables a la vista, decidió construir unos personajes con las recetas de los platos para hacerlos más llamativos para el público.

Según él, su trabajo consiste en cómo contar en una sola imagen una gran cantidad de cosas relevantes del tema que se quiere tratar; en otras palabras, todo consiste en tener una aproximación diferente hacia los proyectos.  “Es como darle rienda suelta al inconsciente”, nos dice, y de ver al collage como la ciencia de la limitación, que se enfoca en sacarle partido al defecto y a lo que no se tiene.

Cuando no trabaja por encargos, sino con clientes más personales le gusta plasmar en sus piezas los temas que le apasionan: Blues, Anatomía, cine, religión, entre otros.

Su trabajo le ha traído grandes satisfacciones como cuando en el 2015 el NY Times le pidió, junto a 4 artistas más, una pieza que ilustrara qué había significado visualmente ese año  y cuáles eran sus esperanzas para el siguiente.  En esa ocasión Mora creo la pieza Love 2.0.

Para finalizar su charla nos comparte la siguiente cita:

“Quizá haya llegado el momento en que la imaginación está próxima a volver a ejercer los derechos que le corresponden”

—André Bretón—

CreativeMornings/Bogotá le quiere dar las gracias a todas las personas y empresas que hicieron posible esta charla: A todos los integrantes de nuestra comunidad que muestran su apoyo y compromiso con su fiel asistencia a las charlas, a nuestros fieles aliados Paleta Digital y Time Machine Pictures, por todo el material impreso y por producción audiovisual de la charla; a CAZ por permitirnos el uso de sus instalaciones, propicias para fomentar la creatividad, y a Diana Prada por el registro fotográfico del evento.

Los esperamos el próximo viernes primero de Marzo para hablar sobre Simetría, el tema seleccionado por el capítulo de San Petersburgo, y también para celebrar nuestro sexto cumpleaños.  No se lo pueden perder, les tenemos preparadas muchas sorpresas. Esperen pronto más información en nuestras redes sociales.  

Escrito por Juan Manuel Rodríguez Bocanegra: jma.rodriguez@gmail.com

PAYASOS HONESTOS 

Nos encontramos en Corferias, el espacio anfitrión de esta ocasión, que por primera vez recibe a la comunidad CreativeMornings/Bogotá, en alianza con Colombia 4.0. A pesar de ser temprano, ya hay mucho movimiento de expositores y visitantes, y el ambiente del lugar está cargado de expectativa.

Luego de reclamar la escarapela para poder ingresar, me encuentro con Javier, nuestro Director Digital, quien conversa con Simón Wilches, el speaker de esta edición, que tiene a la “honestidad” como tema principal.  

Hablan sobre diseño y animación, y en un silencio prolongado de la conversación, aprovecho para conversar un poco con Wilches.  Le pido una definición sobre honestidad. “Honestidad es lo que le sale a uno sin pensar”, responde.  

Wilches, quien deja escapar varios “vos” mientras habla, nació en Popayán, estudió Artes Visuales en Bogotá, Animación en Cuba y realizó un Máster en Bellas Artes en Estados Unidos.  Actualmente trabaja como director de animación en Titmouse, un estudio ubicado en Los Ángeles, California.

No puede vivir sin una buena conexión a Internet, sin los comics—Le pregunto cuál es su favorito y responde al instante: “Batman, siempre Batman”—, y correr.  “Correr es algo que me mantiene cuerdo”, afirma.

Tiempo después varios asistentes hacen fila a la entrada del pabellón.  Me acerco a ellos para preguntarles cómo completaron la frase del Icebreaker tag: “He mentido acerca de…”, y me encuentro con respuestas honestas: “Sobre mi sexualidad, mi religión, he omitido cosas para no generar discordia, sobre mi estado civil”, entre otras.

Ya adentro, con el auditorio lleno, Wilches sube al escenario, toma el micrófono y comienza su charla “Cómo ganarse la vida derritiendo payasos”, porque, según él, a eso es a lo que va a la oficina, a derretir payasos.

Nos cuenta que, precisamente, uno de sus mantras de vida es la canción Payaso de José José, en particular la siguiente estrofa, cargada de honestidad:

“Y es verdad soy un payaso

Pero qué le voy a hacer

Uno no es lo que quiere

Sino lo que puede ser”

Ser honesto con lo que ha querido, al parecer lo ha llevado por el camino correcto.  Después de graduarse del colegio, duró un año sin hacer nada, hasta que sus papás le preguntaron: “¿Qué vas a hacer?”

Tuvo la oportunidad de presentarse a la carrera de Artes Visuales en la Javeriana, y lo primero que le pusieron a hacer, fue analizar una película de Bergman.  Luego, para la entrevista, realiza una animación que sarcásticamente titula “FlughDenFlaven”, y que trata sobre lo ridículo y pretencioso que le parece todo el proceso de admisión, “Miren lo que yo pienso de su carrera”.  Su entrevistador le pregunta si él hizo la animación y, asombrado ante su trabajo, llama más gente para que la vea. Es aceptado en la carrera.

Después de graduarse hace parte de proyectos animados como “Pequeño Tirano”, pionero en sátira política.  De estos resalta la buena escuela que fueron por lo autodidactas. Con ese proyecto gana una beca para estudiar en Estados Unidos, época en la que se empieza a preguntarse cuál es su voz como artista. “Fue una época existencial en la que empecé a ver películas de circo por la mañana y de Roman Polansky en las noches”, nos cuenta.

Pasado un tiempo y a punto de terminar sus estudios, mientras trabaja en “Business Hours”, el proyecto final de su carrera, y asiste a un seminario como requisito adicional para graduarse, le informan que debe trabajar en un proyecto para rendirle homenaje al escritor Lewis Carroll.

“Yo no quiero hacer eso”, pensó Wilches, aunque sabía que si no lo hacía no iba a poder graduarse. Afirma que tomó una actitud infantil ante el suceso: “Ah bueno, si es así, voy a hacer cualquier cosa”. El resultado fue Jouney into Womanhood, una animación repleta de imágenes sugestivas y eróticas que culminan en la representación de un orgasmo.  “Fue un proyecto muy tóxico en el que nadie quería trabajar”, dice Wilches, pero afortunadamente alguien decidió ayudarle con el sonido. Al final, esa animación que comenzó como un gran saboteo y proyecto de fin de semana, se proyecta en la fachada de una biblioteca.

Mientras su proyecto de tesis fracasaba y lo sumía en un estado depresivo, el otro triunfaba, pues el encargado del sonido comenzó a enviarlo a festivales, pero Wilches había tomado una determinación: “No quiero saber nada de arte, quiero emplearme y ya, que me digan qué hacer, lo hago y me voy a mí casa”

Tiempo después, ya trabajando en Titmouse y para el Five Seconds Day, evento donde todos los empleados de la compañía pueden hacer una película de mínimo 5 segundos, Wilches trabaja una idea pretenciosa y realiza “A vertical Chip”.  Al director del estudio le encanta la película y le dice “Usted tiene muchas cosas que contar”, y eso le abre  camino a pequeñas opciones para dirigir, entonces se pregunta “¿Qué pasa con éstas cosas que hago tan rápido y me salen tan bien?”

Se da cuenta que, desde sus trabajos en la universidad, cada vez que se siente amenazado realiza películas muy honestas.

Hasta el momento, ese camino en el que se embarcó como sin querer, lo ha llevado a que el estudio donde trabaja, le de luz verde para que se dedique a hacer una película solo de Simón Wilches, un proyecto que no se pueda vender; desde entonces está trabajando en “El mejor Show de la Tierra”, una película que trata sobre unos payasos que se incendian y que, mientras intentan apagarse, montan el mejor show del mundo.

Para finalizar su charla nos dice lo siguiente: “El gran resto de los artistas es tratar de darse a entender, y la única forma de explicarse, es haciendo las cosas sin pensar demasiado”.

CreativeMornings/Bogotá le quiere dar las gracias a todas las empresas y personas que hicieron posible esta charla: a Corferias por recibirnos en sus instalaciones, que esperamos volver a visitar pronto ; a Time Machine Pictures, por la impecable producción audiovisual de la charla;  a Paleta Digital, por todo el material impreso; a Colombia 4.0, por su apoyo y la gran alianza que logramos;  a nuestro medio aliado Radiónica, por la difusión del evento; a Juan Guillermo Caicedo, por el registro fotográfico; a Caffa por brindarnos un delicioso café; a Paleta Digital. por apoyarnos con todo el material impreso, y como siempre a toda nuestra comunidad creativa que día a día se consolida más.    

Los esperamos el próximo viernes 23 de noviembre, para celebrar otra gran mañana Creativa bajo el tema “Restart”, esperen pronto toda la información del evento en nuestras redes sociales.  

Escrito por Juan Manuel Rodríguez Bocanegra: jma.rodriguez@gmail.com

CAOS EN JUSTA MEDIDA

Son la 7 de la mañana y el inicio del día camufla un poco el caos de la ciudad: el colectivo y el propio. ¿Qué es el caos?, ¿cómo llegar a buenos términos con él? Espero que Daniel Jiménez, el speaker de esta edición, pueda darnos, a  todos los asistentes a la charla, algunas luces sobre el tema.

Jiménez estudió periodismo y es candidato a un máster en administración de arte y política pública de la School of the Art Institute de Chicago. Lleva trabajando 14 años en el sector creativo, y es el fundador del festival Entre Viñetas, que busca posicionar y dar a conocer, en Colombia y América Latina, el cómic, el dibujo y las artes gráficas; un espacio en el que la narración gráfica es la protagonista, y que busca resaltar la importancia de leer imágenes y el goce de estas.  

El auditorio ya está lleno, y los asistentes están listos para disfrutar de otra mañana creativa.  Jiménez, que lleva gafas negras, sube al escenario, toma el micrófono y lo primero que nos dice es que el caos es importante como temática dentro de la creatividad.  “Este es el tema de mi vida en este momento” cuenta, y nos muestra un pantallazo de su computador en el que el caos se traduce en infinidad de pestañas de un navegador de internet abiertas al mismo tiempo.

Jiménez recalca en el carácter negativo que se le asocia a la palabra caos—desorganización, desorden—, y afirma que el caos está planteado de forma sensual para la creatividad, pero que no hay que ser abusivos, pues el desorden no implica caos.  

Entre Viñetas es un buen ejemplo de cómo el caos opera en nuestras vidas. Al principio, cuenta Jiménez, comenzó como una iniciativa entre amigos, que querían crear un festival de vanguardia con contenido atrevido.

“Todo fue un accidente”, asegura. La semilla del festival fue la revista Larva, un fanzine que circuló en Armenia en el año 2006. La planeación comenzó desde el año 2007 y, según sus propias palabras, en el año 2010, “por puro desparche”, y luego de presentar un documento a la alcaldía, consiguen un presupuesto de $1’100.000. Este “accidente” permite crear la primera versión del festival y funciona porque comienza a tener trascendencia.  Al poco tiempo Armenia se le queda pequeña, y el festival se expande a Bogotá y Medellín.  

Todo en la vida de Jiménez parece estar relacionado con imágenes, con la actividad de ver.  Las gafas negras, tan temprano en la mañana, no son una declaración de estilo personal. Jiménez nos cuenta que hace 10 meses le diagnosticaron una enfermedad congénita que afecta la retina.  El deterioro de la vista, tan esencial  para su trabajo y vida personal, fue un choque tanto emocional como intelectual, pero en medio del caos, dio con un médico hecho a su medida, pues la terapia que aplica es que obliga a sus pacientes a que dibujen y pinten, para que mejoren su capacidad visual.  

Jiménez se plantea la siguiente pregunta: “¿Qué significa ver?”, y en medio de esa inquietud, se le aparece, por cuestiones del azar, o mejor de caos, el libro “Cataratas” de John Berger, una especie de diario en el que el autor relata el redescubrimiento de su agudeza visual, luego de haber sido operado de los ojos.  “Es un libro que me hace pensar en los momentos de quiebre, de cómo curarnos a través del caos”, nos cuenta.

Esta experiencia le enseña que el caos se debe asumir con fortaleza, le ha permitido darse cuenta de la fragilidad en las artes, y de lo frágil que puede llegar a ser la creatividad.

Para finalizar, Jiménez nos dice que su labor como gestor cultural ha consistido, principalmente, en romper las inercias en el arte, un proceso en el que se ha dado cuenta que el caos es más la regla que la excepción.  

CreativeMornings/Bogotá le quiere dar las gracias a todas las personas e instituciones que hicieron posible esta charla:  A Time Machine Pictures, grandes aliados, por el registro audiovisual de la charla; a LCI Bogotá, por acogernos de nuevo en sus agradables instalaciones; a Paleta Digital por todo el material impreso para el evento; a Caffa por brindarnos un delicioso desayuno  para el evento; a nuestro medio aliado, Radiónica, por la difusión del evento y apostarle a la creatividad, y como siempre a toda nuestra comunidad creativa que con su fiel asistencia hace posible cada charla.

Los esperamos este próximo  viernes 26 de Octubre, para otra gran mañana creativa junto a Simón Wilches quién nos hablará acerca de Honestidad, el tema a nivel global para la comunidad CreativeMornings.

Escrito por Juan Manuel Rodríguez B: jma.rodriguez@gmail.com

EMBERRACARSE CON ARGUMENTOS

Pasadas las siete de la mañana la entrada de Lab1, nuestro gran espacio aliado, que nos vuelve a recibir en sus instalaciones recién renovadas, luce desierta; panorama que no se prolonga por mucho tiempo, pues poco a poco comienzan a llegar los asistentes a la charla que va a dar la comunicadora social y politóloga María Paulina Baena, mejor conocida como La Pulla.

Baena llega en moto, quizás el medio de transporte que le da el anonimato necesario para transitar por la ciudad. Minutos después, la atajo en la entrada del lugar para hacerle unas preguntas, antes de que se ocupe con el equipo de Time Machine Pictures y la proyección de su presentación, mientras dos mujeres le preguntan si se pueden tomar una foto con ella, petición a la que accede como si fueran viejas amigas.

Le pregunto qué entiende por “Comunidad”. “En mi caso es tener una audiencia con la cual discutir y debatir nuestras pullas.  No solo dar un golpe que dura tres minutos, sino también crear una conversación”, responde.

Me cuenta que no puede vivir sin su moto, “¿Una Vespa?”, le pregunto. “No, es una imitación”; sin sus gafas y sin reloj. Un lugar en el que le encanta pasar el tiempo es su finca en el Quindío y un plato de comida que le gusta mucho es la bandeja paisa, pero le gustaría poder comerla más seguido. Responde a las preguntas de forma breve; es precisa con sus palabras.

Tiempo después, cuando el lugar está lleno, Baena toma el micrófono y da inicio a su presentación: “Me encanta ver este salón tan lleno de caras nuevas, pues de verdad no conozco a nadie”.  Luego del saludo, lo primero que deja claro es que La Pulla, el proyecto, ha sido una historia de lo improbable.

Ella y cuatro amigos con los que pasaba tiempo en la terraza de El Espectador, cada uno con intereses distintos y redactores para diferentes secciones del periódico, compartían una cosa en común: Estaban aburridos de escribir para una generación que no era la suya.  

Uno de ellos, que tiene un gran interés por lo audiovisual, fue quien propuso el proyecto, con el que todos volvieron a estar de acuerdo en algo: Querían crear un mensaje diferente a la forma tradicional de hablar en periodismo. “Es hecho con las uñas”, cuenta Baena, “no sabíamos hacer guiones, video ni editar.  Lo único que sabíamos era leer y escribir.”

Luego de trabajar un poco la idea, se la propusieron al director del periódico, quién les dio luz verde y desde el inicio del proyecto, nunca les ha negado un guion, además de, en parte, servirles de escudo, pues es a él al primero que buscan por los pullazos, y a quien, desde el  principio, le dijeron muy amablemente: “Venga, necesitamos que se vaya de su puesto, nosotros no nos demoramos”, pues el equipo de La Pulla graba todos los videos en su despacho. “El sale de su oficina con su maletica, se ve divino”, cuenta Baena.

Al principio había gente que pensaba que eran un grupo de niñitos rebeldes que, como dicen, estaban pateando la lonchera, además de enterrar la marca del periódico, pero su éxito se fundamentó en hablarle a un público distinto y que consume noticias de otra forma, y los integrantes de la Pulla hallaron la manera de sentirse cómodos con un formato en el que buscaron tres cosas: No utilizar el mismo tono informativo de siempre;  no ser neutrales, una especie de narrador omnisciente que mira todo desde arriba pero que no se involucra, y sacudir las expectativas sobre el rol de la mujer, pues las audiencias no están acostumbradas a escuchar a una mujer hablando de esa manera.

“Tomar partido es una forma de ser éticos, de desenmascarar las cosas”

-  Maria Paulina Baena -

Apenas comenzaron con el proyecto, en el año 2016, se ganaron un premio Simón Bolívar en la categoría de televisión. Baena cuenta que parte del éxito de La Pulla se debe a que se dieron cuenta de que los periodistas se la pasaban mirándose el ombligo.  “Éramos muy poco sexys con nuestra audiencia”, dice.

La Pulla es una invitación a emberracarse con argumentos, un proyecto, como dice su presentadora, que transita entre la ingenuidad y la valentía. Más que una columna, una guerra comunicativa que busca como llenar vacíos, y también como tener una identidad.  

El equipo de CreativeMornings/Bogotá le quiere dar las gracias a todas las personas y empresas que hicieron posibles esta charla: A Lab1 por apostarle a la creatividad y acogernos en un espacio muy propicio para desarrollarla; a Time Machine Pictures por toda la producción audiovisual, y por ser uno de nuestros grandes aliados; a Paleta Digital, por encargarse de todo el material impreso, y por su constante apoyo; a Cantera - Café Work por brindarnos un delicioso desayuno, y como siempre a todos los asistentes a la charla y, en general, a toda la comunidad CreativeMornings/Bogotá, por su fiel asistencia.y buena energía en los eventos.

Los esperamos el próximo viernes 28 de septiembre para hablar sobre “caos”. Esperen pronto toda la información del evento en nuestras redes sociales.  

Escrito por Juan Manuel Rodríguez Bocanegra: jma.rodriguez@gmail.com

ARTE Y OFICIO

Luis Carlos Cifuentes, diseñador gráfico y artista plástico autodidacta, encargado de la charla de junio sobre craft (oficio), es una de las primeras personas en llegar al MAMBO, espacio anfitrión aliado, que recibe a la comunidad CreativeMornings/Bogotá por tercera vez.

Antes de que lleguen los asistentes al evento, conversamos un rato y me cuenta que entiende el oficio de dos maneras: el trabajo que le toca hacer, y hacer lo que le gusta, es decir, encontrar en qué ocuparse para su desarrollo personal y profesional, que involucre todos los aspectos de su vida. Incluso en los ratos libres, hacer cosas que enriquezcan su oficio.

A lo largo de su carrera, lo que Cifuentes aprendió del trabajo en equipo es que le agrada trabajar solo, pues le gusta que las cosas sean más orgánicas que impuestas.

Le encanta permanecer en su taller/casa, pues cree que el tener que desplazarse de un lado a otro es una pérdida de tiempo, por eso siempre trata de tener todo cerca.

Procura llevar un estilo de vida sano, y el azúcar es un tema que lo inquieta en la alimentación, pues su madre murió a causa de una diabetes adquirida.

Le gusta leer y el libro que lo acompaña en estos momentos es 1984 de Orwell que considera muy pertinente para estos tiempos de falsa información; también le gusta mucho García Márquez, de quién ya ha leído toda su obra, pero asegura que quiere releerlo porque comenzó a los 12 años y a veces se le mezclan los temas.

Tiempo después de nuestra conversación, el lugar ya está lleno y Cifuentes inicia su charla, que lleva por título: “El arte en los tiempos de las redes sociales”.

Cifuentes inició su carrera en el Diario del Otún, donde compartió cubículo de trabajo con el caricaturista Matador.  En ese entonces comenzó a aprender sobre aplicaciones como Pagemaker y Photoshop.

Luego se trasladó a Bogotá para trabajar con la revista Gatopardo, en la que permaneció por tres años. Durante este tiempo conoce a los encargados de Soho, publicación en la que duró 11 años, pero siempre, paralelo a su trabajo en dirección de arte, Cifuentes nunca dejó de ilustrar.

Tuvo la oportunidad de trabajar con Daniel Samper, con quien público varios libros y también con el escritor Ricardo Silva, para el diseño de la portada de su novela Tic.  

Luego de su temporada en la revista Soho, se dedica al freelance, que define como constituirse uno mismo en su proyecto”. Lleva trabajando en el suyo, Tropipop, hasta el día de hoy.

Al dejar su último trabajo, Cifuentes se dedicó  a pintar, con el fin de hacer un taller en el que pudiera trabajar tiempo completo, y fue ahí donde comenzó a experimentar con otro tipo de pinturas y materiales para crear contenido para redes, esto con el fin de trasladar todo lo de los medios a un proyecto propio.

Debido a la visita de los Rolling Stones y una pintura de la cara de Mick Jagger sobre una oblea, comenzó a registrar los procesos de sus creaciones, porque se dio cuenta de que a las personas le interesan más los procesos que la obra final.  

Entre sus trabajos también se encuentran el dibujo del entonces procurador Ordoñez en un huevo y de Rigoberto Urán sobre una arepa. Cifuentes afirma que sus obras no tienen un fin comercial, sino que son un medio para enviar un mensaje, o bien, rendir un homenaje, aunque son trabajos que no realiza de forma desinteresada, pues al mismo tiempo, con ellos, busca crear una audiencia.

De un momento a otro las marcas se comenzaron a fijar en su trabajo, al darse cuenta de que tenía un gran alcance. Con respecto a esa mezcla de arte y trabajo corporativo, Cifuentes dice que no se puede vivir en una guerra permanente con todo y que es bueno estar abierto a propuestas que ayudan a crecer.

Al momento de las preguntas, los asistentes quieren saber como ha logrado su éxito y que su nombre suene, tanto en el panorama artístico como en el corporativo, sin contar con un título universitario.  “Mi universidad fue estar al lado de gente muy buena”, responde a una de las preguntas.  

CreativeMornings/Bogotá le quiere dar las gracias a todas las personas y aliados que hicieron posible esta charla: al MAMBO, por permitirnos estar una vez más en sus agradables instalaciones, propicias para fomentar la creatividad; a Ícaro films por su impecable producción audiovisual y a Paleta Digital, por acompañarnos desde los inicios del capítulo y por todo el material impreso; a Les Amis y Banna Café, por brindarnos sus deliciosos productos de pastelería y un exquisito café, y como siempre a todos los integrantes de nuestra comunidad creativa, piezas fundamentales de cada uno de nuestros eventos.  

Los esperamos el próximo viernes 27 de Julio, para hablar sobre Intention. Esperen pronto toda la información del evento en nuestras redes sociales

Escrito por: Juan Manuel Rodríguez Bocanegra jma.rodriguez@gmail.com     

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